1610年、モンテヴェルディ齢47の年に楽譜出版された『聖母マリアの夕べの祈り』は、ルネサンスの伝統をふまえながら、独唱主体の新しいスタイルを縦横無尽に使いこなしてみせた、初期バロック教会音楽屈指の重要作。その解釈をめぐる諸問題を、ヘレヴェッヘは最新の音楽学的知見にもとづき新たに徹底解明。自身の旧録音から30年の時をへて、員数を絞り込んだ歌唱パート、コルネットのB.ディッキーやリコーダーのP.ファン・ヘイヘンらをはじめとするヴェテラン揃いの器楽編成で、比類ない一体感を誇る演奏にたどりつきました。

このアルバムは、ペルゴレージの教会音楽のなかから2編、これまで一度も録音されたことのなかった作品を選んでお届けするものです。二つの作品は、ペルゴレージの教会音楽方面における才覚をいかんなく示す大作にほかなりません――いずれも5パートからなる合唱が2群、これに合奏団がひとつ（ないし2つ）添えられ、何人もの独唱者たちが加わる大規模な編成のための作品です。その規模の大きさのなかで、ペルゴレージは大編成の楽隊すべてを緻密な音の動きのなかで十全に使いこなし、時には各パートひとりずつに絞って打ち解けた気配も演出しながら、独唱ないし重唱を弦楽合奏だけで伴奏してみせたり、そのあいだに合唱が活躍する楽節を盛り込むなど、実に精彩ゆたかな音楽を仕上げてみせています。 ペルゴレージの書いた作品として残っている音楽のなかには偽作も多いところですが、魔術的ともいえるバランス感覚でこれほど緊迫感あふれる音楽を続けてみせている才覚のほどから察するかぎり、これら2曲はまず間違いなく真筆の作と考えてよいのではないでしょうか。（解説文より）

教会カンタータ、受難曲、あるいはミサ曲... といった教会向けの音楽では、彼はオーボエやヴァイオリンと同じように、縦笛や横笛をさまざまな作品に盛り込みました。とくに教会カンタータ（彼が仕えていたルター派プロテスタント教会で、日曜や祭日の礼拝のたび演奏されていた、合奏を伴う声楽作品）では、20あまりの作品のなかにリコーダー（縦笛）が使われているのが知られています。そのかたわら、小人数の楽器奏者たちだけで演奏できる室内楽曲を書くとなれば、彼はむしろ横笛、すなわちフルートをことさらよく使ったのでした。（解説文より）

このアルバムの中軸をなすミサ曲は、1660年の作。「もし神があなたのために... SiDeus pro nobis」という歌い出しで始まる教会歌のメロディを軸にして、全16声部ものパートのために書かれたこの作品は当時大いに人気を博したようで、イタリア各地はもとよりドイツ語圏にも手書きで書き写された楽譜が残っているほどです。そこには実にさまざまな作曲様式が凝縮されていて、コントラストあざやかに変化をつけた小さな部分の連続からなる音楽は概して、詩句を聴き取りやすくした総唱部分と、その間に配された独唱がきわだつ部分、そして多声同時進行の精妙な作曲技法が生きる部分... と、きわめて多様な音作りで聴き手を飽きさせません。ーードゥニ・モリエ（解説文より）

“もうずいぶん前から、私は（これまでに何度か耳にしたり記事で読んだりしてきた）とある件について、ハイドンにぜひ伺ってみたい... と思っていました。それは、彼が［歌詞をうたう歌手なしに］楽器だけで演奏できるよう曲を書くとき、何かしら自分がことばで説明したかったことを音楽に託していたのか... ？ という疑問です。「いやめったにそういうことはありませんでしたね」、ハイドンはそう答えてくれました。「楽器だけのために曲を書くとき、私はだいたいにおいて、純粋に音楽のことしか考えていません――どこまでも、ただ音楽に引きまわされるがままにしてきたまでのこと。しかし、例外がただ一度だけありました――ある交響曲の緩徐楽章アダージョを通じて、神と、愚かな罪人との対話を描いたことがありましたよ。”アルベルト・クリストフ・ディース、1806年5月27日付――『ヨーゼフ・ハイドン評伝』（1810 年ウィーン刊）に所収（解説文より）

ロッシーニ最後の喜劇オペラに若々しい息吹を与える新プロダクション！若い女好きの領主オリー伯爵は洞窟で隠者として暮らし、訪れる女性たちの悩みを聞きながら良い思いをしています。彼を探す父親の命を受けた後見人は、「あの隠者があやしい」と目を付けますが、なかなか正体を掴めません。しかし隠者=伯爵の元に、それとは知らず伯爵の小姓イゾリエが訪れたことから雲行きが怪しくなり・・・ 1824年パリに招かれたロッシーニは、オペラの新作を書く契約をフランス政府と結びます。まず《ランスへの旅》で成功を収め、次にこの《オリー伯爵》を作曲。音楽は《ランスへの旅》からの転用が多いものの、夫の十字軍の遠征からの帰還を待つアデル伯爵夫人を、オリー伯爵が誘惑するという荒唐無稽な台本に色彩に富むオーケストレーションを施し、ロッシーニの喜劇オペラのなかでも傑出した作品となりました。 本映像は、優れたロッシーニ歌いが、斬新なプロダクションで話題を集めるマルメ歌劇場に結集し、トビアス・リングボリの生気に富むタクトのもと、このロッシーニ最後の喜劇オペラに新鮮な息吹を吹き込みました。

1917年、十月革命を逃れるために全てを捨ててアメリカに渡ったラフマニノフは、すぐに新しい生活のために資金を調達するコンサートを始めました。それを知ったトーマス・エジソンは彼を出来上がったばかりのレコーディング・スタジオに誘い、多くの録音を行いました。しばらくは良い関係を作っていたラフマニノフとエジソンレコード社でしたが、そのうち、ラフマニノフが承認しなかった録音が発売されてしまったことが原因で関係が決裂、以降、ラフマニノフはビクタートーキングマシンへ移ることとなりました。 このアルバムではエジソンレコード社への最後の録音と、ビクタートーキングマシンへの初期の録音を聴くことができます。

19世紀前半に活躍した作曲家シュポア。若いころはヴァイオリニストとして活躍していましたが、1805年にゴーダの宮廷楽長の地位を得たことをきっかけに、少しずつ指揮活動にシフトし、1822年にカッセルの宮廷楽長に任命された頃からはほとんどヴァイオリン奏者として活躍することはなかったようです。しかし、親しい友人のサロンでは室内楽を演奏、そんな時にこの二重奏曲が演奏されたと思われます。 WoO21の「3つの二重奏曲」はシュポア12歳の作品であり、高い完成度を誇っています。この頃からシュポアの才能は突出していることがお分かりいただけるでしょう。Op.67の「3つの二重奏曲」は円熟期の作品で、2台の楽器の音色がバランス良く配置されたロマンティックな曲想を持っています。

20世紀の近現代ロシア音楽界を代表するボリス・チャイコフスキー。モスクワ音楽院でオボーリンにピアノ、シェバリーンとショスタコーヴィチに作曲を学び、「ショスタコーヴィチの次世代」を担う作曲家の一人として知られています。しかし戦後のアメリカでは、彼の音楽が全く評価されず、見かねた親友でチェリストのロストロポーヴィチが積極的に作品を紹介しましたが、それでもなかなか評価が変わることはありませんでした。チャイコフスキーはロストロポーヴィチに深く感謝し、このアルバムに収録された「独奏チェロのための組曲」と幻想的な美しさを持つ「チェロ・ソナタ」を献呈しました。チャイコフスキーの評価が高まってきたのは21世紀になってからですが、それにはロストロポーヴィチの理解と貢献が大きく関与しています。 「ピアノ三重奏曲」は1956年、作曲家自身のピアノと、ピカイゼンのヴァイオリン、アルトマンのチェロによって初演され、若い作曲家が大きな称賛を得たバロック的な様式を持つ明快な作品です。

ハンガリーのバータセクで生まれ、1940年代のアメリカで映画音楽の発展に著しく寄与したユージン・ザドール。彼はキャリア最後の20年間で、ロマン主義と古典主義、そしてハンガリーのルーツを全て融合した作品を次々と生み出しました。直接旋律を引用することなく「ハンガリー風のメロディ」を書くことのできたザドールの才能は「オーケストラのためのラプソディ」や「ツィンバロンとオーケストラのためのラプソディ」で遺憾なく発揮されています。また、弦楽器と木管楽器の間の控えめな対話を主とする「ハンガリーの平原」での穏やかさ、印象的なホルン・ソロで始まる「ハンガリー幻想曲」など抒情的な雰囲気もザドールの音楽が持つ特色の一つです。

1983年生まれのホルン奏者ティム・ソープ。イギリスで生まれた彼は、小学校の時に初めてフレンチ・ホルンの演奏を聴き、すぐさまプロの奏者になろうと決意したといいます。2004年にフィルハーモニア管弦楽団に入団し、1年後にはBBCナショナル管弦楽団の首席ホルン奏者に選ばれました。室内楽奏者としても活躍、ロンドン・シンフォニエッタやナッシュ・アンサンブルと共演し、濃密な演奏を聴かせます。 このアルバムは、シューベルトの晩年の名作“白鳥の歌”とブラームスの民謡風の歌曲集“ジプシーの歌”をソープ自身の編曲版によるフレンチ・ホルンでの演奏を収録しています。どちらも抒情性と物語性を持つ曲集で、フレンチ・ホルンの音色は歌の持つ幅広い感情を完璧に表現しており、言葉がなくても、愛のメッセージや別れの苦痛、喪失感は完璧に伝わります。

メシアンが“栄光の御体”（8.573682）を完成させたのは1939年のこと。1944年には『わが音楽語法』で、この作品の個性的な書法について論述し、1949年には更に新しいモードに基づく作品を書くことを計画し、2つの異なる作品が生まれました。1950年に完成された“聖霊降臨祭のミサ”と1951年の「オルガン曲集”がそれにあたります。 即興演奏をもとに生まれた“聖霊降臨祭のミサ」、ヒンズー教のリズムと鳥の声が緻密な計算の上に織り込まれた「オルガン曲集」。どちらもオルガンの機能を極限まで生かした奇妙な美しさを放ちます。また、世界初録音の“トリスタンとイゾルデ「愛の主題」”は1945年に即興演奏の主題として書かれた曲。この旋律は後に歌曲集“ハラウィ”に用いられています。

1989年モスクワに生まれ、現在はロンドンに拠点を置く若手ピアニスト、アレクサンドル・パンフィロフ。6歳から音楽のレッスンを始め、グネーシン音楽院を経て、モスクワのチャイコフスキー音楽院でアンドレイ・ディーヴェから指導を受けました。2012年からはイギリスに留学、数多くの国際コンクールで入賞を果たしましたが、中でも2016年に開催された第58回ハエン国際ピアノコンクールでのグランプリ獲得は彼の存在を世界中に印象付けました。 優勝記念としてリリースされたこのアルバムでは、刺激的なドビュッシーの「版画」とガムランを思わせるエキゾチックな響きを多用した、コンクールのための新作「アナモルフォシス」とスペイン情緒漂う「港」を演奏。最後は、表情豊かなムソルグスキーの「展覧会の絵」で締めくくるというプログラムで、その素晴らしい才能を提示しています。

カナダ、アメリカ、英国の民謡を巡り、その国の文化を知る1枚。それぞれ違う文化を持つにもかかわらず、世代から世代へと物語を伝える衝動はどの国でも変わることがありません。2回の大戦による世界的な対立を経験したことで、一層その傾向が強まり、ホルストやヴォーン・ウィリアムズを始めとした20世紀後半から21世紀にかけての作曲家たちが「伝承曲」に新たなアレンジを加え、次世代に伝える試みを行っています。またオリジナルの民謡も次々と生まれており、これらのメロディも永遠に歌い継がれていくことでしょう。 演奏はカナダにおける最高の合唱団の一つ、エローラ・シンガーズ。澄んだハーモニーと豊かなサウンドが持ち味であり、世界中で活躍している団体です。

スペインの作曲家ソレールは、23歳で聖職者として任命されてから、ずっとマドリッド近郊のエスコリアル修道院に仕え、一日のほとんどを農耕と祈りに捧げ、31年間亡くなるまでずっとその生活を続けたという奇特な人です。その合間に500曲以上の作品を残したのはまさに奇跡。師とされるスカルラッティの影響を感じさせつつ、ウィーン風のスタイルも反映させた軽妙な作品は、時の国王カルロス三世の王子ドン・ガブリエルのために書かれたともされています。 演奏しているのは2012年マリア・カナルス国際コンクール、ピアノ部門で優勝した俊英アン・スージョン。美しいタッチが曲の魅力を引き立てています。

1867年、ロッシーニは過去10年に渡って書き溜めていた作品に「老いのいたずら」とタイトルを付け、妻オリンペに「自分の死後、最も有利な条件で出版社に売り渡すように」伝えました。この曲集にはピアノ曲や、声楽曲、室内楽曲など様々な作品が集められており、その内容も極めて多彩です。 この第9集にも世界初録音となる作品が多数収録されており、その中にはロッシーニが初めて「FAX」を使って楽譜を送付したとサインがある「パントレグラフ」などの珍しい曲や、世界中に散らばってしまった「本当に短い曲」なども集められています。今回もマランゴーニのピアノを中心に、イタリアの実力派歌手たちが親密な演奏を行っています。

モンテネグロのギタリスト、ブラトヴィチとニクチェヴィチによる独創的なギター・デュオ集。スペインの情熱的なリズムから地中海、中東の雰囲気、スラブとパルカンの影響など様々な要素が反映された色彩的な作品が集められています。フラメンコを思わせる「Summer Rain」やパーカッションを用いた華やかな「Alma」、ソルを思わせる古典的な「Preludio arpeggio」など、親しみやすい作風の中に現代的なスパイスを利かせた作品の数々は聴き手を強く魅了します。

1880年から1900年代初頭まで、イタリアの音楽界の中心を占めていたのは圧倒的にオペラ作品でした。ちょうどヴェリズモ・オペラが大流行していたこともあり、演奏会用の管弦楽や室内楽を積極的に書く作曲家はなかなか現れず、レスピーギが活動を始めることでようやくその空白が埋められたとされています。しかし、実際には、その時代にも数多くの室内楽作品が生まれており、その中にはフェルッチョ・ブゾーニの父親フェルナンド（プロのクラリネット奏者だった）の美しい作品も含まれています。 現在では忘れられてしまった作曲家たちの作品を、セルジオ・ボーシの巧みな演奏でお楽しみください。

バルセロナ生まれのレオナルド・バラダは現代最高の作曲家の一人として認められています。「カプリチョス」シリーズは、伝統と現代的な要素を融合させ、アヴァンギャルドな雰囲気を生み出すことで知られており、バラダの代表作とされています。 このアルバムには第6番と第7番、第10番が収録されていますが、各々の曲が多彩な編成によって書かれており、第6番はクラリネットとピアノのための曲で、短く不規則なフレーズが緊張感を生み出しています。第7番はクラリネットとアンサンブルのための曲で、アンダルシアのメロディ「ラ・タタラ」が巧妙に織り込まれた作品です。第10番は6分程度の短い曲。カタロニア民謡のメロディが使われているとされますが、あまりにも抽象的で即興的であるため、識別することは困難です。バラダの初期作品「バレエ・シティ」はストラヴィンスキーを思わせる躍動的な作風によって書かれています。

ヨーゼフ・フォン・リントペイントナーはドイツ、コブレンツェに生まれ、ヴェルテンベルク宮廷楽長を務めた初期ロマン派の作曲家。生涯21曲の歌劇を書き、シューマンが「最も有望な歌劇作曲家」として絶賛しましたが、死後はすっかり忘れられて現代に至ります。 この歌劇《シチリア島の夕べの祈り》は1843年の作品で、ヴェルディの名作同名歌劇と同じく、1282年にシチリアで実際に起こった住民の暴動を原作とした壮大な歴史絵巻です。豊かなオーケストレーションに支えられた美しいベルカントの印象的な旋律が満載の秘曲オペラを、ヴェテランの歌声でお楽しみください。

圧倒的な美声と驚異的な技巧を兼備したソプラノ、エディタ・グルベローヴァ。ブラチスラヴァに生まれ、22歳で地元の歌劇場にロッシーニ《セヴィリアの理髪師》ロジーナ役でデビュー。2年後の1970年にウィーン国立歌劇場と契約し《魔笛》の夜の女王役に抜擢、1973年にはグラインドボーン音楽祭においても同役で好評を博しました。1980年には初来日し、リヒャルト・シュトラウスの《ナクソス島のアリアドネ》ツェルビネッタ役での超絶的な歌唱で瞬く間に人気を獲得、以降、21世紀に至るまで来日を重ね、円熟の歌声を披露しています。 グルベローヴァの歌手生活50周年記念としてBR-KLASSIKが制作したこのアルバムには、これまでにリリースされたことのない彼女の歌唱が年代を追って収録されています。完璧なヴォーカル・テクニックに裏打ちされた魅惑的な響きを備えた歌の数々は、「コロラトゥーラの女王」の名にふさわしいものです。

シュッツやフローベルガー、ヘンデル、ハッセ、モーツァルト、ワーグナーなど多くの音楽家がアルプスを横断してイタリアに旅行し、この国の雰囲気と特徴を掴み、自身の音楽に生かしたことは知られています。しかし、J.S.バッハは生涯決してイタリアに足を踏み入れることはありませんでした。 とはいえ彼がイタリアに興味を持っていなかったわけではありません。幼い頃から熱心にイタリアの巨匠の作品を研究・編曲し、そのスタイルを身に着け「イタリア協奏曲」などに昇華させたバッハ。その思いを汲んだこのアルバムは「バッハが思い描いたイタリアへの旅」をテーマとし、ヴェネツィアのヴィヴァルディや、ローマのフレスコバルディの影響を受けて書かれた“イタリア様式”の鍵盤作品が収められています。 クリストフ・ルセ、ピエール・アンタイらに学んだ1982年生まれの若き奏者ルカ・オベルティは、ソリスト、室内楽奏者として世界中で活躍、2017年にはアンサンブル“フォンス・ムジケ”のメンバーとして来日。「現在最も才能に恵まれたチェンバロ奏者」として高く評価されています。

2018年の春、新聞や音楽誌を騒がせたペルゴレージの新発見作品「ミサ曲 ニ長調」。およそ300年ぶりに発見されたと話題になりましたが、実際には2016年にすでにジュリオ・プランディの指揮で演奏、録音されていました。畢生の名作「スターバト・マーテル」を書き上げ、結核のため26歳でこの世を去ったペルゴレージは、その短い生涯の間に10曲ほどのオペラとカンタータ、器楽曲などを残しました。死後に人気が出たため、いくつもの偽作が出回りましたが、この作品は1733年から1734年頃に作曲された真作。ヨーロッパ全域の図書館に散らばっていた楽譜を音楽学者たちが継ぎ合わせて再現したものです。 アルバムにはもう1曲、ペルゴレージの知られざるモテット「Dignas laudes resonemus」を収録。ペーターゼン、フマガッリら実力派歌手をソリストに据え、2018年に創立15周年を迎えるギスリエーリ合唱団＆コンソートが2つの傑作を演奏、ペルゴレージの知られざる側面を明らかにしています。

ドビュッシー没後100年にあたる2018年。ARCANAレーベルに眠っていた“ドビュッシーの名演”に光を当てるための過去の名演復活シリーズ。この2枚組は1995年と1996年にフランスのピアニスト（作曲家としても知られる）、スタニー・ダヴィッド・ラスリーが演奏したピアノ作品集。 演奏には1921年と1874年に作られたエラールのピアノが用いられており、ドビュッシー自身も耳にしていたであろう美しい響きが再現されています。とりわけCD2で使われた1874年製のエラールの音色が聴きもの。保存状態の良い楽器が紡ぎ出す、1世紀以上の年月を経て熟成された柔らかくまろやかな響きを堪能できます。

ドビュッシー没後100年にあたる2018年。ARCANAレーベルに眠っていた“ドビュッシーの名演”に光を当てるための過去の名演復活シリーズ。生涯に90曲ほどの歌曲を作曲したドビュッシー。幼い頃にヴェルレーヌの義母から音楽の手ほどきを受けたこともあり、若い頃から詩や言葉には鋭敏な感覚を示したと言われています。 このアルバムには、彼が最も愛したヴェルレーヌと、同じく同世代の詩人マラルメ、グラヴォレの詩による歌曲と、15世紀から17世紀に活躍した人たち…シャルル・ドルレアン、レルミート、ヴィヨンの詩を用いた詩が収録されており、ドビュッシーのバランスの良い言葉選びと、言葉に即した柔軟な音作りを知ることができます。また、フランス語の絶妙な抑揚にふさわしい変幻自在な音楽はピアノ・パートにも如実に現れており、唐草模様のような流麗なパッセージは歌を美しく彩っています。 ティエリー・フェリクスは1992年ベルギーのエリザベート王妃国際コンクールで優勝したバス・バリトン。柔らかくふくよかな声が魅力です。

イタリア・バロック音楽の中心地の一つであったヴェネツィアのサン・マルコ寺院。16世紀から18世紀にかけて著名な音楽家が楽長、オルガニストを務めたことで知られています。モンテヴェルディもその一人で、1613年に楽長に任命されるやいなや、様々な理由で力を失っていた合唱隊と器楽隊の立て直しを図った功績が讃えられました。モンテヴェルディの声楽曲で多く用いられる「複合唱＝複数の声部が互いに掛け合いを行う手法」は、サン・マルコ寺院の対面するバルコニーを想定して書かれたともされ、その劇的で華やかな作風は当時の聴衆たちにも感銘を与えました。 モンテヴェルディの死後に発表された「4声の無伴奏ミサ曲」は声のみのために書かれた壮麗な作品で、「グローリア」と同じくモンテヴェルディの高度な作曲技法を伺い知ることができます。有名な「アリアンナの嘆き」を宗教曲に書き換えた「聖母マリアの嘆き」も聴きどころ。ルネサンスからバロック期の声楽曲を得意とするアンサンブル「オデカトン」による演奏です。

「2台のヴァイオリンによる二重奏作品」は18世紀前半になって人気が上昇、多くの作曲家たちが作品を書き始めました。しかし、このジャンルを最初に手掛けたのがヴィヴァルディであることはほとんど知られていません（一説によれば、1729年から1730年、ヴィヴァルディが中央ヨーロッパの演奏旅行中に父親と演奏するために作曲した4曲の室内ソナタが最初の作品にあたるとされています）。 このアルバムには、ヴィヴァルディからテレマン、ルクレールを経て、バルトーク、ベリオに至るヴァイオリン二重奏曲を収録、そして現代イタリアの作曲家ソッリマが作曲した「SUITE CASE：ケース組曲＝スーツケースのもじり」が添えられて、この“音による旅行プロジェクト”が完結する仕組みになっています。また、このアルバムが録音された教会はモーツァルトの名曲《エクスルターテ・ユビラーテ》の初演場所であるため、最後に置かれた「アレルヤ」にてアルバムとモーツァルトの双方への敬意が表されています。 ザニーシとバルネスキは、イタリア最前線の古楽器集団で活躍する奏者たち。このアルバムでも先鋭的な感覚を生かし、作品に躍動感を持たせています。

イタリア後期ルネサンス時代に活躍したルカ・マレンツィオ。当時、最も人気の高いマドリガーレ作曲家として知られ、作品は多くの人に支持されました。初期作品のスタイルは軽く流動的でしたが、歌われる詩の文言を忠実に追っていく彼の創作方針もあって、作品は少しずつ複雑さと深刻さを増していきます。成熟期から晩年の作品には、時に不協和音や半音階技法も用いながら、極めて厳粛で大胆な書法が見られるのもマレンツィオの特徴です。 このアルバムで素晴らしい演奏を披露している“ロッソポルポーラ”は2010年に結成された若手奏者たちによるアンサンブル。イタリア・ルネサンスから初期バロック音楽を中心に、テキストを深く読み込み、独自の解釈を施し演奏することで高い評価を受けています。

16世紀の偉大なリュート奏者、作曲家の一人ジャコモ・ゴルザニス。生い立ちについてはほとんどわかっていませんが、プーリア地方で生まれ、1557年にトリエステに定住、カリンシアとカルニオラの貴族に仕え、グラーツでは神聖ローマ帝国マクシミリアン2世のために演奏した記録も残っています。ヴェネツィアでは1561年と1579年に4冊のリュート曲集と2巻の「ナポリ風曲集」が出版されたほか、24組の「長調」と「短調」の舞曲が収められている1567年の原稿は作品の中でも特に重要とみなれています。 このアルバムでは、親密なリュートのファンタジアだけでなく、遊び心溢れた「ナポリ風の舞曲集」までゴルザニスの多彩な作品を聴くことができます。プーリア出身の歌手ピノ・デ・ヴィットーリオの並外れた歌唱力と、ファビオ・アッカーソの見事なリュートが聴きものです。

バロック時代に活躍した4人の作品をハープで演奏した1枚。彼らが実際にハープのための曲を書くことはありませんでしたが、この時代にハープのためのレパートリーがなかったわけではありません。このアルバムでは、優れたハープ奏者フローラ・パパドプーロスが「もし彼らがハープのための作品を書いたら」という仮定のもと、様々な研究と情報を探り、ハープとよく似たイディオムの特徴を有する楽器であるヴァイオリン曲をハープのために編曲、演奏しています。それにより音色に違ったニュアンスが生まれ、オリジナル作品にハープの響きならではの美しさが付け加えられています。

1667年、ハンザ同盟の盟主として隆盛を極めた都市リューベックの聖母マリア教会オルガニストのフランツ・トゥンダーが死去。その後任に選出されたのはデンマークで活躍していたブクステフーデでした。彼はトゥンダーの娘と結婚し、この誉れ高い職務にあたり、数々の新しい試みを導入します。その中でも最も知られているのが「Abendmusik 夕べの音楽」の拡大です。これは前任者トゥンダーが始めた「夕方の礼拝時のささやかな演奏」ですが、ブクステフーデは合唱、オーケストラを含む大編成で華やかな作品を上演、しかも入場無料であったため大人気を博しました。これを聴くために若きバッハさえも長い道のりを歩みリューベックまでやってきたと言われています。 このアルバムでは、ドイツ・バロックを得意とするヴォクス・ルミニスとアンサンブル・マスクによる演奏で「夕べの音楽」の演奏会を再現。2017年のルター宗教改革500周年にちなみ、プログラムには4つのカンタータを中心に、器楽曲が配されています。 ヴォクス・ルミニス … フランスを中心に、世界中で活躍するヴォーカル・アンサンブル。アンサンブル名「vox luminis＝光の声」の通り、温かい響きと正確無比のハーモニーが持ち味で。Grammophone Editor's Choise（英）とDiapason d'Or（仏）を獲得するなど評価は高く、日本における古楽の雄、鈴木優人氏もしばしばアンサンブルに参加するほど、その実力は折り紙付きです。

2017年グラミー賞《最優秀クラシック・ソロヴォーカリスト賞》受賞アルバム！カナダ出身の異才ソプラノ、バーバラ・ハニガン。レパートリーは幅広く、モーツァルトやグルック、パーセルなどのバロック作品も得意としていますが、何より彼女の名声を高めたのは一連の現代作品であり、映像でも公開されているリゲティの《グラン・マカーブル》の情景やB.A.ツィンマーマンの《兵士たち》での人知を超越したかの歌唱は聴き手に強い衝撃を与え続けています。 様々な手法と技法が凝らされた、声のコレクションとも言えるベリオの「セクエンツァIII」で始まるこのアルバムは、ハニガンの魅力が存分に生かされているだけではなく、「ルル」組曲では指揮者としての才能も知ることができる、ハニガン入門にうってつけの1枚です。

J.S.バッハの作品をアーチリュート（大きいリュートの意。テオルボに代わる通奏低音楽器）で演奏するという意欲的なアルバム。有名な無伴奏チェロ組曲第1番と、無伴奏ヴァイオリン組曲第2番のシャコンヌは、演奏者トーマス・ダンフォード自身の編曲により、巧みにリュートへと移し替えられており、とりわけヴァイオリンでも演奏困難なシャコンヌでの目のくらむような驚異的な演奏が聴きものです。 1988年生まれのダンフォードは9歳から師クレア・アントニーニの元でリュートを学び、2006年からはパリ国立音楽院に進学、高名なリュート奏者シャルル＝エドゥアルド・ファンタンのクラスで一等賞を獲得しています。その後、バーゼルのスコラ・カトルムで研鑽を積み、多くのコンクールで優勝。世界中で活躍する期待のリュート奏者です。リュートの響きを最大限に生かす美しい残響を備えています。スイス、ラ・ショー=ド=フォンにあるホールでの録音です。

イタリア、バロック時代の作曲家ドメニコ・スカルラッティと、ハンガリーの現代作曲家ジェルジ・リゲティ。一見何の繋がりもないように思える2人の作曲家ですが、鍵盤音楽における技巧性の追求においては、大きな共通性があります。このアルバムではスカルラッティの多彩なソナタに、リゲティの3つの壮観な作品を挟み込み、時代を超越した結びつきを体感させるというユニークな試みがなされています。 演奏しているテイラーはフランスとアメリカの血を引く1992年生まれの若きハープシコード奏者。グラモフォン誌の「エディターズ・チョイス」、フランス批評家サークルの「レヴェレーション・ミュージカル」など数多くの賞を獲得、その柔軟な表現と音楽性により、現在最も活躍が期待されている演奏家の一人です。

すでにALPHAレーベルからドヴォルザークの作品をリリースしているブッシュ三重奏団。今作では1984年創設のイザイ四重奏団のメンバーであり、ピアノ四重奏曲でも共演したヴィオラ奏者ダ・シルヴァとロシア出身のヴァイオリニスト、マリア・ミルシテインを迎え、ドヴォルザークのピアノ五重奏曲と「バガテル」を演奏しています。 同じ調性を持ちながら、作曲年代に15年の開きがある2曲のピアノ五重奏曲では、作風の特徴をしっかりと捉えることで、ドヴォルザークの芸術の変遷と内面の熟成をはっきりと感じさせ、またバガテルでは作品の持つ親密な雰囲気を存分に味わわせてくれます。

イタリア、ヴェローナ音楽祭から　2017年のオペラ界の話題を独占した《ナブッコ》登場！「ナブッコ」は、旧約聖書に登場するバビロニア王ナブコドノゾール王の物語に題材をとった台本にヴェルディが作曲した3番目のオペラとして、1842年ミラノ・スカラ座で上演され、作曲家にとって初めての成功作となりました。対立する二つの国の抗争を背景に、ナブッコの2人の娘フェネーナとアビガイッレの、敵国ヘブライ王家のイズマエーレをめぐる愛憎を中心に繰り広げられる壮大な史劇オペラです。 舞台監督アルノー・ベルナールは、聖書による古代の物語をイタリア統一運動の時代に置き換え、1848年の民衆の蜂起、その震源地となったスカラ座のレプリカをヴェローナの大舞台の中心に据えるという大胆な演出を編み出しました。指揮者ダニエル・オーレンの骨太の統率のもと優れた歌手たちの演技と歌唱、とりわけソプラノのスザンナ・ブランキーニは、ヴェルディの創造した最も難しい役とされるアビガイッレの歌唱で舞台を文字通り席巻しています。 そしてこのオペラのハイライト、バビロン捕囚となったヘブライ人の望郷の合唱「飛べわが想いよ 黄金の翼に乗って」がアンコールされ、舞台は最高潮を迎えます。

イタリア、ヴェローナ音楽祭から　2017年のオペラ界の話題を独占した《ナブッコ》登場！「ナブッコ」は、旧約聖書に登場するバビロニア王ナブコドノゾール王の物語に題材をとった台本にヴェルディが作曲した3番目のオペラとして、1842年ミラノ・スカラ座で上演され、作曲家にとって初めての成功作となりました。対立する二つの国の抗争を背景に、ナブッコの2人の娘フェネーナとアビガイッレの、敵国ヘブライ王家のイズマエーレをめぐる愛憎を中心に繰り広げられる壮大な史劇オペラです。 舞台監督アルノー・ベルナールは、聖書による古代の物語をイタリア統一運動の時代に置き換え、1848年の民衆の蜂起、その震源地となったスカラ座のレプリカをヴェローナの大舞台の中心に据えるという大胆な演出を編み出しました。指揮者ダニエル・オーレンの骨太の統率のもと優れた歌手たちの演技と歌唱、とりわけソプラノのスザンナ・ブランキーニは、ヴェルディの創造した最も難しい役とされるアビガイッレの歌唱で舞台を文字通り席巻しています。そしてこのオペラのハイライト、バビロン捕囚となったヘブライ人の望郷の合唱「飛べわが想いよ 黄金の翼に乗って」がアンコールされ、舞台は最高潮を迎えます。

ドニゼッティ・フェスティヴァル2017　2作の秘曲オペラを日本語字幕付で。
《ピグマリオーネ》には話題の 脇園 彩 登場！《ピグマリオーネ》は19歳のドニゼッティがソグラーフィの台本に作曲した最初のオペラ作品。「彫刻家が自身の作品に恋をし、その彫刻に命が吹き込まれる」というギリシャ神話に基づく二人舞台。題名役を歌うベテラン・テノール、アントニオ・シラグーザの歌唱は滑らかで色彩に富み、ガラテイア役のメゾ・ソプラノの新星、脇園彩が魅力溢れる美声を聴かせます。 《ケ・オリジナーリ！》はマイール（ドニゼッティの師匠）によるロッシの台本に基づく一幕の喜劇。音楽教師ドン・フェベオが、嫌がる子供たちに音楽教育を無理強いするという現代にも通じる滑稽な風刺劇。ドン・フェベオ役のブルーノ・デ・シモーネがその優れた演技とともに、技巧的なパッセージを見事に歌い上げます。

ドニゼッティ・フェスティヴァル2017　2作の秘曲オペラを日本語字幕付で。
《ピグマリオーネ》には話題の 脇園 彩 登場！《ピグマリオーネ》は19歳のドニゼッティがソグラーフィの台本に作曲した最初のオペラ作品。「彫刻家が自身の作品に恋をし、その彫刻に命が吹き込まれる」というギリシャ神話に基づく二人舞台。題名役を歌うベテラン・テノール、アントニオ・シラグーザの歌唱は滑らかで色彩に富み、ガラテイア役のメゾ・ソプラノの新星、脇園彩が魅力溢れる美声を聴かせます。 《ケ・オリジナーリ！》はマイール（ドニゼッティの師匠）によるロッシの台本に基づく一幕の喜劇。音楽教師ドン・フェベオが、嫌がる子供たちに音楽教育を無理強いするという現代にも通じる滑稽な風刺劇。ドン・フェベオ役のブルーノ・デ・シモーネがその優れた演技とともに、技巧的なパッセージを見事に歌い上げます。

以前発売された名演が高音質のLPにて復活！1875年から1876年にかけて、愛するわが子たちを相次いで失うという悲劇に見舞われたドヴォルザーク。沈痛な気持ちを慰めるために作曲されたのが、このスターバト・マーテル（悲しみの聖母）です。わが子イエス・キリストが十字架にかけられ死んだ際の聖母マリアの悲しみを歌った内容は、過去から現代まで様々な作曲家が音楽にしていますが、ドヴォルザークの曲はペルゴレージと並ぶ傑作とされています。 2012年のヘレヴェッヘの録音は、総譜の細部に目を配り、合唱の透明感溢れる響きと、素朴な情感を漂わせたオーケストラの音色が相俟った感動的な演奏として知られています。CD発売時よりGramophone誌のEditor’s Choiceなど数多くのメディアで高い評価を受けていますが、今回のリリースは、演奏に加え、更にLPならではの素晴らしい音が期待できます。

ロッシーニ最後の喜劇オペラに若々しい息吹を与える新プロダクション！
若い女好きの領主オリー伯爵は洞窟で隠者として暮らし、訪れる女性たちの悩みを聞きながら良い思いをしています。彼を探す父親の命を受けた後見人は、「あの隠者があやしい」と目を付けますが、なかなか正体を掴めません。しかし隠者=伯爵の元に、それとは知らず伯爵の小姓イゾリエが訪れたことから雲行きが怪しくなり・・・ 1824年パリに招かれたロッシーニは、オペラの新作を書く契約をフランス政府と結びます。まず《ランスへの旅》で成功を収め、次にこの《オリー伯爵》を作曲。音楽は《ランスへの旅》からの転用が多いものの、夫の十字軍の遠征からの帰還を待つアデル伯爵夫人を、オリー伯爵が誘惑するという荒唐無稽な台本に色彩に富むオーケストレーションを施し、ロッシーニの喜劇オペラのなかでも傑出した作品となりました。 本映像は、優れたロッシーニ歌いが、斬新なプロダクションで話題を集めるマルメ歌劇場に結集し、トビアス・リングボリの生気に富むタクトのもと、このロッシーニ最後の喜劇オペラに新鮮な息吹を吹き込みました。

世界初収録－ブレット・ディーン作曲 歌劇《ハムレット》　シェイクスピアの最もよく知られた悲劇「ハムレット」がブレット・ディーン作曲の歌劇として創作されました。（グラインドボーン音楽祭委嘱作品） ハムレットは、叔父クローディアスが父デンマーク王を殺害し、その王位を簒奪し、母をたぶらかしたことを父の亡霊から聞き復讐を誓います。結果、その復讐の念が数々の不幸の連鎖をまねいていくのです。ディーンの躍動感と色彩、ウィットと抒情性に富む音楽は、シェイクスピアの時代を超越した現代性を、伝統的なオペラ的な形式であるアリアや重唱、合唱を取り入れつつ見事に表現しています。とりわけ、バロック・オペラから現代作品まで幅広いレパートリーを誇るバーバラ・ハンニガンが、鬼気迫るオフィーリアを演じ舞台を盛り上げます。 マシュー・ジョスリンの霊感に富む台本は、シェイクスピアの台詞に沿いながらも、それを要約したり、再構成をしながらドラマの中心のテーマをなす、死、狂気、不確実性、行動の複雑さに光を当てています。

血と炎、そして復讐に満ちた傑作「イル・トロヴァトーレ」－コヴェントガーデンの総力を挙げた名舞台中世の騎士物語を下地とし、ジプシーの老婆アズチェーナの伯爵家への復讐劇と、女官レオノーラと吟遊詩人マンリーコにルーナ伯爵が絡む恋愛劇。2つの要素が重なり合ったときに大きな悲劇が生まれる巧みなストーリーもさることながら、歌手にとって見せ場も多く、幅広い人気を誇る作品です。デイヴィッド・ベッシュの雰囲気豊かな舞台を背景に、中心的な役割を果たす4人の優れた歌手がこの情念に満ちた作品を生き生きと演じます。 主役の吟遊詩人マンリーコにグレゴリー・クンデ、その恋人レオノーラにリアンナ・ハルトゥニアンというヴェルディ歌いとして定評のあるベテラン歌手を配し、一方、ウクライナ出身のヴィタリ・ヴィリが誇り高きルーナ伯爵を朗々と歌い上げ、2009年のスカラ座のシーズンオープニングの「カルメン」で表題役を歌って華々しい成功を収めたグルジア出身のアニタ・ラチヴェリシュヴィリが謎のジプシー女アズチェーナに若々しい息吹を吹き込みます。 この情念と復讐と愛情の交錯するドラマをリチャード・ファーンズの指揮するコヴェントガーデン王立歌劇場管弦楽団と合唱団がしっかりと支えています。

待望のアシュトン版《真夏の夜の夢》新登場。高田茜のティターニア！英国ロイヤル・バレエの草創期の振付家フレデリック・アシュトンの三つの秀作が収められた注目の1枚。 《真夏の夜の夢（1964）》 シェイクスピアの戯曲にメンデルスゾーンが作曲した「真夏の夜の夢」にアシュトンが新たに振付けた魅力溢れる魔法の世界。2008年、ローザンヌ国際バレエ・コンクール入賞により、英国ロイヤル・バレエに研修生として入団、2016年にプリンシパルに昇格した高田茜がティターニアを演じた話題の上演。 《シンフォニック・ヴァリエーションズ（1946）》 アシュトン初期の抽象的で純粋な美に満ちた振付が印象的な佳作。ヌニェス、ムンタギロフの名コンビが織りなす幻想的な舞いをご堪能ください。 《マルグリットとアルマン（1963）》 アシュトンにより、ヌレエフとフォンテーンのために振付された作品。本映像は元ロイヤル・バレエのプリンシパル・ダンサー、ゼナイダ・ヤノウスキーの引退公演の模様。ゲストのロベルト・ボッレとの親密なパ･ド･ドゥは美しさの極みです。

世界初収録－ブレット・ディーン作曲 歌劇《ハムレット》　シェイクスピアの最もよく知られた悲劇「ハムレット」がブレット・ディーン作曲の歌劇として創作されました。（グラインドボーン音楽祭委嘱作品） ハムレットは、叔父クローディアスが父デンマーク王を殺害し、その王位を簒奪し、母をたぶらかしたことを父の亡霊から聞き復讐を誓います。結果、その復讐の念が数々の不幸の連鎖をまねいていくのです。ディーンの躍動感と色彩、ウィットと抒情性に富む音楽は、シェイクスピアの時代を超越した現代性を、伝統的なオペラ的な形式であるアリアや重唱、合唱を取り入れつつ見事に表現しています。とりわけ、バロック・オペラから現代作品まで幅広いレパートリーを誇るバーバラ・ハンニガンが、鬼気迫るオフィーリアを演じ舞台を盛り上げます。 マシュー・ジョスリンの霊感に富む台本は、シェイクスピアの台詞に沿いながらも、それを要約したり、再構成をしながらドラマの中心のテーマをなす、死、狂気、不確実性、行動の複雑さに光を当てています。

待望のアシュトン版《真夏の夜の夢》新登場。高田茜のティターニア！英国ロイヤル・バレエの草創期の振付家フレデリック・アシュトンの三つの秀作が収められた注目の1枚。 《真夏の夜の夢（1964）》 シェイクスピアの戯曲にメンデルスゾーンが作曲した「真夏の夜の夢」にアシュトンが新たに振付けた魅力溢れる魔法の世界。2008年、ローザンヌ国際バレエ・コンクール入賞により、英国ロイヤル・バレエに研修生として入団、2016年にプリンシパルに昇格した高田茜がティターニアを演じた話題の上演。 《シンフォニック・ヴァリエーションズ（1946）》 アシュトン初期の抽象的で純粋な美に満ちた振付が印象的な佳作。ヌニェス、ムンタギロフの名コンビが織りなす幻想的な舞いをご堪能ください。 《マルグリットとアルマン（1963）》 アシュトンにより、ヌレエフとフォンテーンのために振付された作品。本映像は元ロイヤル・バレエのプリンシパル・ダンサー、ゼナイダ・ヤノウスキーの引退公演の模様。ゲストのロベルト・ボッレとの親密なパ･ド･ドゥは美しさの極みです。

バイロイト音楽祭2014 ― 繊細かつ劇的な《タンホイザー》前作「さまよえるオランダ人」と同様に、ワーグナー入門にふさわしい作品。永遠の愛による魂の救済という筋立てはもちろん、ライトモチーフの使用など、その後のワーグナー作品を特徴づける要素が形作られています。コーバーの指揮、そして合唱はとりわけ見事。ニュルンドの色彩感に満ちた歌唱はエリーザベトの役に結実し、ケルルは抒情性とヘルデン・テノールとしての性格の間で適切なバランスをとることに成功しました。 この演奏は、ワーグナーの中でも最もロマンティックな音楽表現が聴かれるこの作品に描かれた、誤解に苦しみ追放の憂き目にあった芸術家の姿を、繊細かつ劇的に描出しています。（オペラ・ジャーナル）

オーストリア、ウィーン在住の若きサックス奏者、ヤーコプ・グニグラー。リンツのアントン・ブルックナー私立音楽大学でジャズと即興を学び、ジャズ・バンドを組むだけでなく、現代音楽のアンサンブル「Pneuma」のために音楽を書いています。彼が2013年に創立した六重奏団は、常に予期せぬ音を生み出す独自のアンサンブルです。これはフリージャズでもなくクラシックでもなく、形に縛られることのない柔軟な音楽です。

インド生まれのケタン・バッティは、長い間ベルリンのブレイクダンス・グループ“Flying Steps”のために音楽を提供し、主としてニューエイジ・ミュージックの分野で知られています。しかし、激しいリズムに裏打ちされた、人間の根源に直接アプローチする彼の音楽は、ジャンルを超えて広く聞かれるべきものであり、彼自身もそれを望んでいます。 このアルバムではエンターテイメントとしての音楽と、アートとしての音楽の壁を崩し、異なるスタイルの融合が図られています。

アメリカの作曲家ジョン・ケージが1946年から1948年にかけて作曲した作品。グランドピアノの弦に、ゴム、金属、木などを挟んだり乗せたりして音色に変化を与える「プリペアド（準備された）・ピアノのための作品であり、この楽器の使用法もケージが考案したことで知られます。通常のグランドピアノの88鍵のうち、45鍵に加工が加えられており、その場所や挟み込む品物の材質も（なかには消しゴムまで）細かく設定されています。一つの新しい時代を切り開いた作品としても評価されています。

複雑な書法と前衛的なイディオムを駆使して書かれたB.A.ツィンマーマンの作品は、難解で理解しにくいものとされています。1956年に初演された「パースペクティヴ」は初期を代表する作品で、様々な実験的要素が散りばめられており「モノローグ」と「ディアローグ」はその延長線上にある作品です。その後、彼は作風を変化させ1968年の「Photoptosis」では静止した持続音を多用する「静止主義」へと移行していきます。

「鏡」…全曲を演奏するとほぼ80分。7つの部分からなる舞台のための音楽です。1960年から1961年にかけて作曲されたこの曲は、当時流行していたストラヴィンスキーの影響も感じさせつつ、独自の音響に彩られた模索的な部分も垣間見えます。1.2.5.7の部分は瞑想的であり、その後の作品である「カール・プラントルのためのモニュメント」にも関連付けられています。カール・プラントルは「石切り場における芸術」を提唱した彫刻家で、チェルハはプラントルが作り出した巨大な石の芸術から数多くのインスパイアを受けており、彼の名に基づく「カール・プラントルのためのモニュメント」と「Kに」。この2つの作品は、音による彫刻と呼べるものです。

「あれっ？ CDを間違えたかな？」そんな意表をつく音楽が聴こえてくる「クレド・イン・アス」を始めとした、ケージの問題作5曲を収録。前述の「クレド・イン・アス」は1942年に作曲されたにもかかわらず、レコード盤やラジオの音声を使うことを求められており（選曲は任意）、この演奏でマインツ・パーカッション・グループが使用したのが、ベートーヴェンの第5交響曲、ABBA、ティナ・ターナー、広告宣伝のスローガンなど多彩な音をコラージュしています。また、ケージは新しいドラムの音に興味を抱いており、演奏者に最大限の自由を与えるために、四重奏曲（1935）では楽器の選択も奏者自身に任せており、演奏によって異なる音楽が生まれるところもケージを聴く楽しみの一つです。

細川俊夫の室内楽作品集。秋吉台国際20世紀音楽セミナー＆フェスティヴァルからの委嘱作品である「ヴァーティカル・タイム・スタディ I」、武生国際音楽祭の委嘱作品「ヴァーティカル・タイム・スタディ III」はどちらも能の観念と密接に結びついた音楽。ヴァーティカル＝垂直と水平の概念を壊していくことを目的とし、アコーディオンを用いた作品は古代中国の響きに触発されています。当時のCD評にて「細川の作品はブッダを一つの音で具現化している」と高く評価されたアルバムです。

1930年代にカウエルとシェーンベルクに学んだジョン・ケージのプリペアド・ピアノのための作品集。創作の初期にはシェーンベルクの模倣とも思える作品を書いていたケージですが、1940年にプリペアド・ピアノを「考案」したことで彼の作風は一気に多様化し、アイデア優先の作品が次々と生まれます。 この2枚組のアルバムには1938年に書かれたバッカナールから1952年までに書かれた「2つのパストラール」などのプリペアド・ピアノのための作品が収録されており、ピアニスト、ヒンターホイザーは、ケージがこだわった複雑な部分や音色のニュアンスを的確に表現、この楽器の可能性を存分に味わうことができます。

ジョン・ケージ、ルー・ハリソン、ジョージ・ガーシュウィンの師として知られるアメリカの作曲家ヘンリー・カウエル。アイルランド系の出自であるため、自作にはアイルランド民謡も積極的に素材として用い、魅力的で色彩豊かな作品を作り上げるとともに、1920年代から実験的な試みを積極的に行い、トーン・クラスターを用いたり、ピアノの弦を直接はじいて音を出すなど、前衛的な奏法を次々と考案しました。自然音や新しい楽器も好み、多くの作品に取り入れています。カウエルは1900年代前半のアメリカにおける“最もアヴァンギャルドな作曲家”として位置づけられ、そのパイオニア精神はケージら弟子たちにも強い影響を与えました。 このアルバムでは「The Tides of Manaunaun マノノーンの潮流」を含む、斬新な響きが横溢するピアノとオーケストラのための作品を楽しむことができます。

ひたすら長く、ひたすら静かな音楽で知られる「静謐の詩人」モートン・フェルドマン。このアルバムには最晩年のピアノ曲「マリの宮殿」を始めとした3つの作品が収録されています。ソロとオーケストラとの静かな対話であり、メロディらしきものはほとんど見当たらず、音だけが美しい層をなす「ピアノとオーケストラ」、気の遠くなるようなピアノのつぶやきが続く「マリの宮殿」、“静謐”に至る以前の作品で、突如として現れる強い音が印象的な1970年代の作品「ピアノ」、どれもフェルドマン入門にも最適な1枚です。

プラハに生まれアメリカで活躍、帰化した作曲家クビーク。アメリカではフロリダ州立音楽大学の作曲家の教授を務めたこともあり、大学では彼の名を冠した作曲コンクールを2年に一度開催するなど尊敬を集めました。彼の作品の多くは、ペンデレツキやルトスワフスキの傾向と同じく、戦後の東ヨーロッパの作曲家に特徴的な「仄かな調性感を残しつつ、前衛的な響きを探求する」作風が用いられています。 このアルバムにも「カフカのテキストによる三部作」のような後期ロマン派の歌曲を思わせる、かなり聴きやすい曲も含まれています。

作曲家ルドルフ・ハルトマンが監修するバイエルン放送のムジカ・ヴィーヴァのシリーズ。この第4集にはブーレーズの指揮による一連の演奏が収録されています。内容は驚くほど多彩であり、ドビュッシーの「聖セバスティアンの殉教」を始め、14世紀に編纂された作品に現代的なアレンジを施した「トゥルネーのミサ」、聖書のエピソードに基づくストラヴィンスキーの「洪水」、カラフルな音が交錯するメシアンの「異国の鳥たち」など、キリスト教の教えに基づく“愛”の精神にまつわる作品が集められています。

ドレスデンに生まれ、幼い頃はマウエスベルガーが指揮するドレスデン聖十字架合唱団で歌っていたというウド・ツィンマーマン。日本でも上演された《白いばら》などの歌劇作曲家として知られおり、その作品には常に社会への問題提起が含まれています。 この「嘆きの平和」は1982年、ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団の創立100年を記念して作曲された作品で、アッシジの聖フランチェスコの詩と、20世紀ドイツの詩人たちの詩を巧みに組み合わせたテキストが用いられています。

作曲家、建築家として活躍したクセナキスの作品集。1954年に作曲された3部からなる「アナステナリア」は初期の代表作の一つで、ドナウエッシンゲン音楽祭で初演されたオーケストラ曲。ギリシアの民謡を基にした第1部と第2部は祈りや儀式を象徴した音楽で、呪術的な雰囲気を湛えています。しかし第3部には全く別の観点によって作られた「メタスタシス」が置かれており、この曲は後のクセナキス音楽を先取りした余りにも先鋭的な作風のために、後に独立させて作品番号1を付けたというもので、この曲を3部作の最後に配置したところにもクセナキスの独創性が感じられます。 他にもグリッサンドが効果的に用いられたトロンボーン協奏曲「トロールク」、原始的な響きが横溢する声の饗宴「アイース」とユニークな作品が収録されています。

ピアノの88鍵のうち、53鍵の弦に「あらかじめ」異物を挟み込んで独特な音を得るという「プリペアド・ピアノ」。ジョン・ケージが考案したこの楽器からは様々な音色が引き出されます。 この1958年に書かれた協奏曲は「禅の思想」が反映されたユニークな作品です。ピアニストのための楽譜は63ページで構成され、全部でも部分的にでも演奏可。もちろん順序も演奏時間も任意ですが、全体の構成は指揮者によって変更され、また、ケージの他の作品を一緒に組み合わせて演奏することも可能という、まさしく偶然性の音楽で、演奏されるたびに驚きがもたらされます。

シューベルトとリゲティを組み合わせた「an experimental recital＝実験的なリサイタル」と名付けられたユニークなプログラム。小さな素材を限りなく発展させていくという作風は、活躍時期に150年以上の開きがある2人の作曲家における共通の特徴であると考えるグラウとシューマッヒャーは、プログラムでもごく自然に各々の作品を連続して演奏、聴衆の拍手によって中断されながらも、まるで一つの作品であるかのように聴かせます。このような古典派とアヴァンギャルドの並置は、常に聴き手の耳を鋭敏にします。

シューベルトはわずか数小節の短い舞曲やワルツを数多く作曲し、その多くは連弾のためのものです。その豊かなイマジネーションと即興性は後世の作曲家たちに愛され、数多くの「類似作品」が生まれました。 このアルバムに収録されているのは有名なブラームスのワルツの他、グリーグ、ヒンデミット、リームの作品で、中でもリームはブラームスのワルツからインスパイアされた作品を書くほどでした。この「いくつかの短いワルツ」も、作曲者名を知らずに曲を聴くと、18世紀作品であると思えるほどの端正なたたずまいを持つ、まさにシューベルトとブラームスへのオマージュと言えるワルツ集です。

シュッツが作曲した合唱曲「十字架上のキリストの最後の七つの言葉」をハンガリーの作曲家クルタークがピアノ・デュオ用に編曲した「七つの言葉」。クルタークは全曲をピアノに置き換えるのではなく、10分ほどの凝縮した作品へと昇華させています。 この作品の精神に呼応するように置かれているのがメシアンの「アーメンの幻影」。「アーメン」の言葉の持つ意味を虹色の響きで彩った作品で、シュッツの抑制された祈りの声とは対照をなします。

イタリアの聴衆を震撼させた歌姫Minako Fujitaがベールを脱ぐカリ国際声楽コンクール第1位、テルニ国際声楽コンクール最高位、カルロス・ゴメス国際声楽コンクール第2位、ベニアミーノ・ジーリ国際声楽コンクール第2位、ビエッラ国際声楽コンクール第3位を受賞するなどイタリアにて数々のコンクールに入賞。 『ランメルモールのルチア』のタイトルロールにおいて、現地イタリアの新聞で“この小柄な東洋人であるMINAKO FUJITAがミラクルを起こした”と絶賛されたMinako Fujitaが満を持して放つ、デビュー・アルバム。

1900年に「ウィーン演奏協会管弦楽団」として設立され、100年以上の長い歴史を誇るウィーン交響楽団。楽団にとって初となるベートーヴェンの交響曲全集の録音に取り組んだのは2014年に首席指揮者に就任したフィリップ・ジョルダンでした。2017年の春から夏にかけて全曲録音が行われ、これらは半年ごとに1枚ずつリリース。ベートーヴェンのアニヴァーサリー・イヤー（生誕250年）となる2020年に全集が完成する予定です（ただし、2017年の来日において、ツアー特別盤が日本のためだけにリリースされ、今回の曲目は先行発売されました）。 ツィクルス第1集である「第1番＆第3番」と同じく、このアルバムにもヴァルター・ヴァイトリンガーによる読み応えのある解説「影絵役者と冒険者」が付属しております。（ブックレット日本語翻訳…山下詠美子）ヴァイトリンガーは作品の詳細な解説を行うと同時に、ジョルダンの作品に対する捉え方、取り組み方を聴き手に提示します。一般的には「対照的な性格を有する」とされる第4番と第5番の交響曲ですが、ジョルダンは第4番の秘められた暗い性格に着眼し、だからこそ第5番と組み合わせることに意義があり、作品の理解が深まると語ります。 かつて、シューマンが交響曲第4番を「すらりとしたギリシャの乙女」と賛美したことは有名ですが、ジョルダンは否定することはないものの、この曲が決して「しなやかで、明るく、抒情的なものではない」ことをユニークな言葉で語っていきます。まず、第1楽章冒頭の短い導入部について「ここにロマン派が始まる」と断言し、たくさんの事例を挙げながら、第4番の持つ不安や暗さを伝え、続く第5番との関連性について言及します。 第5番では、「この作品は『運命』ではなく『革命』であり、この曲の根底には反逆、反抗、怒りがある」とした上で、冒頭の3つの音符は「本来叩くもの、痛いものでなくてはならない」とジョルダンは言います。第5番全体の構成についても熟考を重ね、通常は省略される第3楽章でのトリオの反復についても、反復の削除について歴史的な変遷を考察した上で、ベートーヴェンのメトロノーム指示も指摘し「反復は全体の構成にとって重要である」と結論付けています。 ピリオド奏法も取り入れつつ、音の一つ一つを練り上げた演奏は、ジョルダンの作品に対する真摯な取り組み方も含め、この詳細な解説を読むことで理解が深まることでしょう。