「ムーンドッグ」とはマンハッタンの路上で暮らし、ユニークな角付きの兜と衣装で「6番街のヴァイキング」として知られた盲目の作曲家ルイス・トーマス・ハーディン（1916-1999）のこと。 その美しく心に残る印象的な音楽はフィリップ・グラスやスティーヴ・ライヒにインスピレーションを与え、彼のことを「ミニマリズムのゴッドファーザー」と呼ぶ人もいます。 ブルックリンを拠点とするゴースト・トレイン・オーケストラと伝説的なクロノス・カルテットとのコラボレーションとして発案されたこのプロジェクトは、マリッサ・ナドラー、ジョーン・ワッサー（別名ポリス・ウーマン）、ジャービス・コッカーらが多数のアーティストが参加し、ムーンドッグの音楽を現代によみがえらせています。

2007年に作曲され2008年の“ピューリッツァー賞”を受賞したデイヴィッド・ラングの合唱曲『マッチ売りの少女の受難曲』。J.S.バッハの「マタイ受難曲」から影響を受けたというこの作品には、2008年にポール・ヒリアーが指揮したシアター・オヴ・ヴォイシズ他、Cantaloupeレーベルでのロサンゼルス・マスター・コラールの演奏など、いくつかのアルバムが存在、現代合唱作品の名作のひとつに数えられます。 今回のCantaloupeレーベルへの再録音にあたってラングは「（合唱とは異なる）一人一人の息遣いが聞こえるような、小ぶりな編成で録音したかった」と語っています。 CDには3曲のボーナストラックが添えられており、合唱曲「I want to live」を3声に縮小、トリオ・メディーヴァルが清冽なアンサンブルで歌ったヴァージョンなど、どれもラングが目指す「小さな編成」でこまやかかつ繊細に歌われています。

2007年に作曲され2008年の“ピューリッツァー賞”を受賞したデイヴィッド・ラングの合唱曲『マッチ売りの少女の受難曲』。J.S.バッハの「マタイ受難曲」から影響を受けたというこの作品には、2008年にポール・ヒリアーが指揮したシアター・オヴ・ヴォイシズ他、Cantaloupeレーベルでのロサンゼルス・マスター・コラールの演奏など、いくつかのアルバムが存在、現代合唱作品の名作のひとつに数えられます。 今回のCantaloupeレーベルへの再録音にあたってラングは「（合唱とは異なる）一人一人の息遣いが聞こえるような、小ぶりな編成で録音したかった」と語っています。

「shade」は、オランダのストリオーニ・トリオとニューヨーク・シティ・バレエ団からの共同委嘱による、ピアノ・トリオと弦楽オーケストラのための作品。ピアノ・トリオで演奏される音楽がオーケストラへと投影され、拡散されていきます。 「wed」はラングの亡くなった友人を追悼して、クロノス・カルテットのために書いた作品の一部。病院のベッドでパートナーと結婚したという彼女のための音楽は、協和音と不協和音の間を揺れ動くことで、感情のバランスをとろうする様を描いています。このアルバムでは、アデレード音楽祭からの委嘱によって弦楽オーケストラのために編曲された版が演奏されています。 ※収録時間約23分のミニアルバムです。

バス・クラリネット、コントラバス、電気処理したバス・ヴォーカルや合唱等の低音から生まれるサウンドで「Hadal Zone=超深海帯」のイメージを喚起する1時間強の作品です。サンフランシスコのヴォーカル・アンサンブル「シャンティクリア」の最低音を支えたエリック・アラトーレがソロで参加しています。

アン・ウォルドマンの台本、デイヴィッド・リトル作曲で2022年にフィラデルフィアで初演されたオペラ《ブラック・ロッジ》の映画版サウンドトラック。 輪廻転生において死と再生の間にあるバルドと呼ばれる過程を舞台に、苦悩する作家が自ら作り出した悪魔に立ち向かう様がダンス、ロック、弦楽四重奏、歌を交えて描かれていきます。

クリント・ルイン、フランク・ワント、フェトゥス…他、様々な名義で活躍するオーストラリアのミュージシャン、ジェイムズ・ジョージ・サールウェル。このアルバム・タイトル「Dystonia＝ジストニア」は筋肉の不随意収縮を起こす症状を意味する言葉で、不協和音や不整脈、はたまた運命と様々な事象を連想させます。 弦楽四重奏で奏でられる各々の曲につけられたタイトルも印象的ですが、その音楽はバルトークやショスタコーヴィチを思わせる硬派なものです。

作曲家・シンセサイザー奏者のマット・マクベインの「Bathymetry（水深測量）」。8つの楽章で構成された約37分の作品は、アナログ・シンセサイザーやパーカッションを駆使したアンビエント風の音楽です。 マクベインはMoog Slim Phattyシンセサイザーを使用し、サンドボックス・パーカッションのメンバーたちも様々な楽器を駆使して演奏に参加。波打ち際の風景や水中のミステリアスな世界が表現されています。

作曲家・シンセサイザー奏者のマット・マクベインの「Bathymetry（水深測量）」。8つの楽章で構成された約37分の作品は、アナログ・シンセサイザーやパーカッションを駆使したアンビエント風の音楽です。 マクベインはMoog Slim Phattyシンセサイザーを使用し、サンドボックス・パーカッションのメンバーたちも様々な楽器を駆使して演奏に参加。波打ち際の風景や水中のミステリアスな世界が表現されています。

2021年にこの世を去ったピアニスト・作曲家フレデリック・ジェフスキー。「不屈の民」変奏曲など、社会主義への強いメッージがこめられた数々の作品で知られます。 彼の弟子であり、友人でもあったリサ・ムーアは、ジェフスキーの作品の中から5つの抒情的な旋律を持つ作品を選び、師へのトリビュート・アルバムとしました。彼女がピアノをやめようと思った時に、力強く励ましてくれたというジェフスキーへの強い思いがこめられた演奏です。 ムーアは2016年にもジェフスキーの2作品「深き淵より」、「4つのノース・アメリカン・バラード」を録音しており（CA21014）、その演奏も高く評価されています。

フィリップ・グラスが「さまざまなテンポ、テクスチャー、テクニックを探求すること」を目標として1991年から着手したピアノのためのエチュード集。以来、新進気鋭のピアニストたちから支持されている作品です。第1集には1番から10番までが収録されています。 演奏しているヴィッキー・チョウは、10年以上にわたり、バング・オン・ア・カン・オールスターズの一員として活躍、フィリップ・グラスともステージを共にした経験を持つピアニスト。これまでにもマイケル・ゴードンをはじめ数多くの現代作曲家の作品を初演しており、その技巧と作品の解釈には定評があります。

「The New Yorker」誌で“音楽史上最も美しい黙示録”と呼ばれ、2014年にはピューリッツアー賞も受賞したオーケストラ作品「Become Ocean」（CA21101）の作曲者ジョン・ルーサー・アダムズ。彼の作品は、常に自然、とりわけ彼が住んでいたアラスカの風景にインスパイアされていますが、この「Sila： the Breath of the World」も自然をモチーフにした神秘的な作品です。 多彩なパーカッション・アンサンブルと、現代音楽が得意な合唱団「クロッシング」、ジャック四重奏団らの演奏者たちは、各パートを自由に歌い奏でるため、2度と同じ演奏が生まれることはありません。ここに現代のテクノロジーと多重録音を駆使することで、まるで一つの生命体のような音楽が生まれています。

「in C」などミニマリズムの手法を用いた作品で知られるアメリカ合衆国の作曲家テリー・ライリー（1935-）。2020年2月に「さどの島銀河芸術祭」に出演するために佐渡島を訪れた彼は、新型コロナウィルスのパンデミックのため帰国が叶わず、ひとまず山梨県北杜市に移動したところ、ここの景色がすっかり気に入りそのまま日本に定住しています。現在も国内で活動を続けており、2022年7月にはフジロックフェスティバルにも出演予定。 さて、このアルバムはライリーがバング・オン・ア・カン・オール=スターズとともに、フリージャズ、ブルース、ロック、ポップス、クラシックなど幅広い音楽のテイストを用いたアンサンブルに挑戦したもの。収録された10曲はそれぞれ彼自身が語り、そして歌いながら、ミニマル風のピアノの旋律を加えており、まさに万華鏡のように広がる世界を楽しむことができます。ライリーならではの鮮やかなストーリーテリングや、秘められたメッセージを感じ取っていただけることでしょう。

アンサンブル「So Percussion ソー・パーカッション」の共同設立者ジェイソン・トルーティングのアルバム。タイトルの「Nine Numbers」とは、日本発のパズルゲーム「数独」からヒントを得たもので、ヴォーカル、電子楽器、ブロック、ベル、ドラム、その他多彩なパーカッションを使用して、リズムの探求を試みています。 謎めいた全曲は、タイトル通り9個のブロックに分かれていますが、収録時間の都合で「4」だけはDigital配信のみとなります。

イギリス出身の作曲家ジェーン・アントニア・コーニッシュのアルバム。彼女はイギリスのケントで育ち、幼い頃からヴァイオリン、ピアノ、作曲を習得。その後王立音楽大学でアントニー・ギルバートに作曲を師事し、数多くの賞を受賞しています。現在はニューヨークを拠点として作品を発表、どれもが高く評価されています。 この「シエッラ」は、自然との深い繋がりがどれほどまでに人々を内なる静寂へと導き、創造的衝動を呼び起こすかを表現した作品集。ピアノのために書かれた5つの曲はさまざまな表情を持ち、滝のようにうねる音や瞑想的な旋律などで満たされています。 演奏は作曲家の意図を明確に汲むことで知られるピアニスト、ヴィッキー・チョウが担当。驚き、切なさ、喜び、畏怖などの感情を見事に表現しています。

フランス、ボルドー出身のアーティスト、フローラン・ジーズのCantaloupe Musicレーベル3枚目のアルバム。コントラバスを弾き、コンピューター・グラフィックを駆使しながら様々な音楽を作ることをコンセプトにしていた彼は、2019年から新たなプロジェクトに着手しましたが、すぐに新型コロナ・ウィルス感染症のパンデミックを体験、これが却って自身の創作のパレットを広げることになったと語っています。 ヴィジュアルから創作を広げた前作「Television（CA21104）」とは異なり、今回のアルバムは純粋に音からの探求で、自身のコントラバスの音を分析し、サンプラーを作成。マイクや収録部屋などについても研究した上で、複雑なテクスチャーによる響きを作り上げています。

アメリカの現代音楽、映画音楽作曲家マーティン・ブレスニックの作品集。 2019年に作曲された弦楽四重奏曲「The Planet on the Table テーブルの上の惑星」は難解な作風で知られるモダニズム詩人、ウォレス・スティーヴンスの詩に触発されており、記憶の霧の中から浮かび上がる音を伝えるために書かれたという作品。 続いて独奏チェロのための「パリソット」、シューマンの「預言の鳥」のタイトルからイメージを膨らませた「Bird as Prophet」の2曲、最後はピアニスト、リサ・ムーアによるリゲティを思わせる技巧的なピアノ曲「Bundists」で幕を閉じるという1枚です。

アメリカの作曲家、マルチインストゥルメンタリストのタイショーン・ソーリー。トロンボーン奏者としてキャリアを始め、ジャズ・ドラマーに転向。2017年にマッカーサー・フェローシップを獲得、2021年1月、ニューヨークタイムズ誌の特集で「ジャズのように現代クラシック音楽と実験音楽で人々を捉える」と紹介されたソーリー、この2枚組のアルバムの1枚目には伝説的なトロンボーン奏者ジョージ・ルイスのための音楽を収録。また2枚目にはブッチ・モリスの「即興メソッド」とアンソニー・ブラクストンの「言語音楽」システムにインスパイアされたという「Autoschediasms」が収録されています。 パンデミック中にヴィデオ・チャットで収録された作品からは心地よい緊張感が漂います。

ニューヨークを拠点にピアニスト、作曲家として活躍するマイケル・ハリソンの最新作。「7つの神聖な名前」と題さ れたこのアルバムは、天体物理学者で現代イスラム教神秘主義者のW.H.Gebelの著書「Nature’s Hidden Dimension」にインスパイアされた作品で、スーフィズムの宇宙観によれば「7つの神聖な名前」は「真の自己への目覚め」を語るもの。エレクトロニックとアコースティックがまじりあったサウンドで微妙に変化しつつゆったりと流れる、時間感覚を麻痺させて瞑想的に誘うような音楽を創り上げています。 若いころから北インドの古典音楽に興味を抱いていたハリソンは、パンディット・プランナートに師事し北インド古典声楽を学び、この「7つの神聖な名前」にもその要素が生かされました。またオクターヴが24音で構成され、四分音も演奏できる「ハーモニック・ピアノ」を設計、製造したことでも知られ、この作品でも楽器の響きが生かされています。 アルバムにはグラミー賞を受賞したヴォーカル・アンサンブル「ルームフル・オブ・ティース」をはじめ、タブラ奏者リトヴィク・ヤパルパルヴィやヴァイオリニスト、ティム・フェインら多くのアーティストが参加しています。

6人のパーカッション奏者による「Timber」で始まり、2作目は7人のファゴット奏者が奏でる「Rushes」、そして4人のエレキギタリストのために書かれた「Amplified」と続いてきたマイケル・ゴードンの人気シリーズ最新作。 今回は8台のチェロから生まれる不思議な音空間です。ジャケットのイラストが象徴する通り、8人のチェリストは円形に配置され、力強いパッセージを奏でます。 この音は円の周囲で「コールアンドレスポンス＝掛け合い」が繰り返され、これが聴き手に恍惚とした状態を誘発します。各チェリストはメロディとベースの両方を演奏、注意深く聴くと、このベースラインが空間を移動しているのも聴きとることができるでしょう。 音と一体になれる感覚を楽しみたい人に。

「The Village Detective＝村の探偵」と題されたデイヴィッド・ラングのアルバムは、映画製作者ビル・モリソンとのやりとりから生まれました。もともとは2016年、モリソンが作曲家ヨハン・ヨハンソンからメールを受け取ったことがきっかけであり、そこにはアイスランド沖の漁師の網に古いソヴィエト映画「Dervenskiy detektiv（1969）」のフィルム・リール4巻がかかったことが書かれていました。 モリソンはこの出来事に興味を持ち、新たな映像製作を構想します。それによると海の底には盗まれたアコーディオンも沈んでおり、モリソンはこの音色が物語になくてはならないものと考えました。 しかし、映像化を現実にすることなく2018年にヨハンソンはこの世を去ってしまいます。モリソンはそのままアイディアをラングにもちかけ、この奇妙なサウンド・トラックが完成したということです。 郷愁を誘うアコーディオンの音色と透明な歌声が、聴き手を海の底に沈んでいた忘れられた世界へといざないます。

アメリカのギタリスト＆作曲家カーキ・キングの10枚目のアルバムとなる「Modern Yesterdays」。 2015年にリリースされた「Neck Is a Bridge to the Body」から5年ぶりとなるこのアルバムは、ほぼ完全にアコースティックギターで録音された最初のプロジェクトです。独創的なコード進行とポストクラシック、ジャズ、ブルース由来のモティーフが多用されたサウンドは瞑想に誘うような趣があります。

ゆったりとしたオーケストラの響きで刻々と変化する海の姿を描き、ピューリッツァー賞とグラミー賞を獲得した「Become Ocean」、砂に風紋が生まれる様子を音で克明に描いた「Become Desert」、両作品の原型となった室内オーケストラのための小品「Become River」。この三部作をひとつにまとめたセットが登場。 「Become Ocean」と「Become Desert」は名エンジニア、ナサニエル・ライヒマンによる新リマスタリングが施されており、ルドヴィク・モルローが指揮するシアトル交響楽団が織りなす瞑想的な響きをお楽しみください。

個性的な作品を次々と発表するアメリカの作曲家、デイヴィッド・ラング。この「love fail」は伝承物語「トリスタンとイゾルデ」を元に、2012年にヴォーカル・カルテット「Anonymous 4」のために作曲したもので、12世紀頃のテキストと、現代の詩をバランスよく配置することで、時代を超越した愛の物語が綴られています。 このアルバムでは、ボストンで活躍する女声ヴォーカル・グループ“ローレライ・アンサンブル”のために編曲されたヴァージョンが用いられており、合唱用に拡張された響きは、神秘的な質感と角の取れた丸みを帯び、聴き手の耳に申し分ない心地良さをもたらします。

ホケット（ホケトゥス＝語源の意味は「しゃっくり」）とは、中世ヨーロッパで使用された、複数の演奏者がお互いに他が音を出さない時に言葉で音を出し、補完的に一つのリズムまたはメロディーラインを編み出す奏法。このアルバムでは、この方式に興味を持ったオライリーが、聴覚シーン分析に関する研究者アルバート・ブレグマンの研究と、聴覚と知覚に関する彼女自身の実験を通じて、まずコンピューターで作品を書き上げ、自身で2つのパートを実際に歌うという試みを行っています。 現在はこの録音のみが存在しますが、実際には、2人のパフォーマーで歌ったり、エレクトロニクスとのコラボで演奏することを意図して書かれた作品です。 ＊収録時間にご注意ください（Total Time： 10分10秒）。

アメリカ現代における「総合芸術」の第一人者メレディス・モンク。1960年代から斬新なヴォイス・パフォーマンスを行い、数多くのアーティストに多大な影響を与え続けている彼女ですが、このアルバムでは過去作品に新たなアレンジを加えながら、自身のキャリアを振り返るという、まさにアルバム・タイトル「Memory Game」そのままの世界を披露しています。 長らく彼女と活動を共にしているブレックマン、スニフィン、ガイシンガーが演奏に参加、オリジナルのスタイルを継承しながらも、どこまでも斬新な表現を追求するモンクの意欲に圧倒される1枚です。

マイケル・ゴードンの「アノニマス・マン」は24人のメンバーによる無伴奏の合唱作品。 物語の舞台はかつてゴードンが住んでいた地区。移ってきた当初はホームレス以外、ほとんど人通りのなかった倉庫地区が、時を経て住宅地になるまでのゴードン自身の回想に、妻となる女性と出会ったことや、彼の家の向かいに家を建てる2人の男性との会話を交え、物語は進行します。 演奏は2005年に結成、フィラデルフィアを拠点として現代合唱音楽の普及に力を尽くす合唱団「クロシング」。小さなグループから生まれるヴォーカル・サウンドが互いに重なり合い、催眠的な効果が生まれています。

18世紀に実際に起きた事件に基づく、デイヴィッド・ラングの歌劇《アナトミー・シアター＝解剖学劇場》は英国の殺人者の告白から処刑、そして最終的には観客の前で公開された“解剖”の驚くべき進展を追っています。 人体の内部の道徳的腐敗の証拠を求めて、処刑された犯罪者の死体を巡る物語について、ラングとディオンが共同で書いた台本を4人の歌手が歌い継ぎ、この恐ろしくも魅惑的な物語を紡いでいきます。

バリトン歌手、ピアノ、アンサンブルのための1幕の歌劇《ルーザー＝破滅者》。ニューヨークタイムズ紙で「大胆、型破り」な作品として賞賛されました。 この作品は、オーストリアの作家トーマス・ベルンハルトが1983年に発表した同名小説「Der Untergeher」に基づいており、登場するのは名前を持たない語り手のみ。各シーンのタイトル通り、物語の軸となるのはグレン・グールドの存在ですが、作曲家ラングは「この物語はグールド、ホロヴィッツ、そしてクラシック音楽に関するものではありません」と言い切っています。 美を鑑賞し、同時に美から疎外されることについて学ぶ方法を探るというこの作品は2016年にブルックリン音楽アカデミーで初演され、その後、ロサンゼルス・オペラで西海岸での初演が行われました。

作曲家ジェフリー・ブルックスの音楽の特徴は、大きく豊かな感情表現、ヘビーなベースライン、ポップスとロックの影響、印象的な不協和音、ニューヨーク・スタイルの「ダウンタウン」のノイズに代表されます。 ブルックスとバング・オン・ア・カンのメンバーは1980年代半ばに初めて会い、以降親しい友人として「ドレッドノート」（1996）などのコラボレーション作品を発表、この最新アルバムでもユニークな音楽を創り上げています。エキゾチックな「After the Treewatcher」、ノイズたっぷりのバッハ作品が変貌していく「最愛の兄の旅立ちに寄せて」によるカプリッチョ」、同じくバッハからインスパイアされた「パッション」の3曲です。

豊かな質感を持った音と物語を内包するアレックス・ワイザーの音楽集。ニューヨークで生まれ育ったワイザーは、歴史的視点と活気に満ちた音楽を融合させ、独自の語法による作品を生み出しています。 このアルバムには瞑想的な歌曲集「and all the days were purple - そして全ての日々は紫色だった」と、「3つの墓碑銘」を収録。様々なテキストによる切ない旋律を滔々と歌うソプラノを包み込む混沌とした楽器の音色は、全ての世界がゆるゆると溶けていくかのような感覚をもたらします。「3つの墓碑銘」も雰囲気は似ており、悲し気な旋律がまっすぐに聴き手の心に伝わります。

ピューリッツァー賞とグラミー賞を獲得した前作「Become Ocean」（CA21101）で、ゆったりとしたオーケストラの響きで刻々と変化する海の姿を描きだしたアメリカの作曲家ジョン・ルーサー・アダムズ（《ドクター・アトミック》のジョン・クーリッジ・アダムズとは別人）の新作は、前作と同じコンセプトによる「Become Desert」。こちらもルドヴィク・モルローとシアトル交響楽団が演奏を担当、砂が創り上げる自然の風紋を克明に描き出します。 今作にも作曲者自身が撮影した美しい砂漠写真のスライド・ショーと、CDと同内容の5.1サラウンド・サウンドを収録したDVDが付いており、風と砂、光が織りなす自然の驚異を存分に味わうことができます。

アルバム・タイトルの「アクアネッタ」とは1940年代から1950年代にかけて活躍した映画女優。エキゾチックな美しさを誇り「ジャングルの妖女」など、主としてカルト映画で演技を披露しました。 このアルバムは、彼女の活躍にインスパイアされ制作された舞台のために、マイケル・ゴードンが作曲した音楽を収録したもの。デボラ・アートマンの台本は、映画のあらすじと現実が交錯した物語になっており、アクアネッタと彼女を撮影するディレクター、サル、医師らが登場、不可思議な世界を歌い上げていくという手法が用いられています。強迫的なベースのリズムを多用、あえて古臭い雰囲気を持たせた音楽は、却って恐怖心を煽ることでしょう。

2015年に世界初演されたデネヒーのオペラ《The Last Hotel 最後のホテル》。タイトルには「あらゆる動きに死が紐づく暗いドラマ…ここは自殺者が最後に投宿する粗末な施設」という意味が込められていますが、実はコメディタッチの作品。古典的なアリアがあるかと思えばドラムの炸裂があり、また時としてミニマル風のメロディをオーケストラが延々と繰り返すなど、古典的な「オペラ」の概念を覆すユニークな作品です。

一種の“ジャズ・トリオ”とも言えるアンサンブル《Bearthoven ベールトーヴェン》。大作曲家の名前をもじったアンサンブルは、ジャズだけではなくジャンルを超えた作品を演奏、その表現力が高く評価されています。 「アメリカン・ドリーム」について、メンバーのピアニスト、ラーソンは「現代アメリカの心の状態を反映している」と表現。これは決して明るいものではなく、どちらかというと切迫感と絶望の心情が色濃く刻まれており、豊かなメロディと不快な部分が混在しています。紆余曲折を経て、最後は精力的なサウンドで勝利。これがドリームたる所以と言えるでしょう。

2014年、カーネギー・ザンケル・ホール（リサイタルホール）において、名ヴァイオリニスト、アウグスティン・ハーデリッヒがデヴィット・ラングの「ミステリー・ソナタ」を初演しました。この曲はタイトル通り、バロック時代の作曲家ハインリヒ・イグナツ・ビーバーの「ロザリオのソナタ（別名ミステリー・ソナタ）」の旋律がモティーフとして使われていますが、デヴィット・ラングは作品の核である「聖母マリアへの祈り」に心を配りながらも、全く違う独自の世界を描きだしています。 作品は「喜び」「哀しみ」「栄光」の3つの部分に分かれ、ヴァイオリン独奏のみで奏されます。演奏者が自身の内面と対話しながら無限に美しい旋律を紡ぎ出していく、厳しさと陶酔を併せ持つ21世紀の「祈り」の音楽と言えるでしょう。

2014年、カーネギー・ザンケル・ホール（リサイタルホール）において、名ヴァイオリニスト、アウグスティン・ハーデリッヒがデヴィット・ラングの「ミステリー・ソナタ」を初演しました。この曲はタイトル通り、バロック時代の作曲家ハインリヒ・イグナツ・ビーバーの「ロザリオのソナタ（別名ミステリー・ソナタ）」の旋律がモティーフとして使われていますが、デヴィット・ラングは作品の核である「聖母マリアへの祈り」に心を配りながらも、全く違う独自の世界を描きだしています。 作品は「喜び」「哀しみ」「栄光」の3つの部分に分かれ、ヴァイオリン独奏のみで奏されます。演奏者が自身の内面と対話しながら無限に美しい旋律を紡ぎ出していく、厳しさと陶酔を併せ持つ21世紀の「祈り」の音楽と言えるでしょう。

アルゼンチン人の父とフランス人の母を持つチェリスト、マヤ・ベイザー。ワシントン・ポスト紙で「アヴァンギャルドを支配する女王」と称えられた彼女は、多くのアーティストとコラボし、TEDでのトークの映像は100万人以上が視聴するなど、その全てが魅力的です。 このアルバムはマヤの委託によって制作され、作品は彼女に捧げられています。無伴奏チェロと「私は・・・」という言葉をひたすらつぶやく語りがが絡みつく「The Day」、マヤ本人の本人のヴォーカルをミックスした「World to Come」。どちらも強い印象を残す楽曲です。

作曲家マイケル・ゴードンは2001年の「Decasia」を皮切りに、20年近くに渡ってオーケストラのための作品を書いており、このシアトル交響楽団から委嘱された作品は第5作目となります。今回の「不変の海」は、1910年にD.W.グリフィスが製作した同名の短編映画からインスパイアされた作品で、ゴードンと映画監督ビル・モリソンとの長期にわたるパートナー・シップから生まれた音楽と映像のコラボレーションです。“催眠性”を持つ魅力的なゴードンの音楽（決して癒し系ではない）に、モリソンは1897年にシアトルで撮影された古めかしい映像を与え、観るものに「奇妙で懐かしい夢のような体験」をもたらすことに成功しています。 ここでピアノを演奏しているのは日本の個性的なピアニスト、向井山朋子。冒頭から約9分続く力強い低音の連打、このピアノを覆い尽くすオーケストラの響きも相俟って、激しいクライマックスを迎えたのち、唐突に曲は終わります。もう1曲の「北京のハーモニー」は、ゴードンが北京の天壇公園にある回音壁を訪れた時に想起した音楽。音が石の床を伝わり、こだまとなって聴こえてくる不思議な情景を刺激的な音響で再現しています。

4つの異なるアンサンブルのための4つの部分で構成された「writing on water」。デイヴィッド・ラングの記念碑的なこの合唱作品は、不協和音、曲がりくねったメロディなど、ありとあらゆる手法を用いて生まれた自由な作品です。

「バング・オン・ア・カン」の創始者、マイケル・ゴードンは10年以上に渡り、名アンサンブル“クロノス・クァルテット”とコラボレーションして、クロスオーヴァー音楽の可能性を探求してきました。このアルバム「Clouded Yellow」はこれまで創造された作品を再構築したもので、長年のパートナーシップがいかに複雑な作品を生み出してきたかの確認ともいえる1枚になっています。パンク・ロックの怒り、フリー・ジャズの緊張感、古典的なモダニズム、これらを内包した力強い音楽です。

マイケル・ゴードンがフランク・シナトラへのオマージュとして作った「ソナトラ」。ゴードンは幼い頃に“ピアノを誤って弾いていた”のだそうで、この作品を書き始めた時に「生涯の間にピアノ曲を作曲するならまるで4人の奏者が弾いているかのように、ピアノの鍵盤を全て使った曲を書こう」と決意しました。出来上がった曲は、グリッサンドを多用し、指は常に鍵盤上を動いています。作品はわずか15分程度ですが、平均律と純正律の2つの音律で演奏されることで、独自のオーラを放ちます。ピアノを弾くヴィッキー・チョウはバング・オン・ア・カンのピアニストです。

アパラチア民謡からインスパイアされた「スティール・ハンマー」。2009年にフロリダ大学で初演されたこの作品について「自身における音楽的根源の回帰である」と作曲者ジュリア・ウルフは語っています。ECMレコードにも数多くの録音を持つ、1997年に結成されたヴォーカル・アンサンブル「メディーヴァル・トリオ」の鮮烈な歌唱を、印象的なサウンドで包むバング・オン・ア・カンのメンバーたち。美しく純粋な音楽は、曲が進むにつれ陶酔的に盛り上がります。ポスト・ミニマルの一つの形です。

2013年当時、最先端のマルチメディアプロジェクトであった「Field Recordings」。謎と実験的要素に満ちたこのアルバムは、音楽界の様々な場所に存在する「声、音、メロディ」の残滓のようなものを拾い集め、これを元に形成された“新しい作品”が詰まっています。民謡を愛するウルフによる、どこか懐かしいメロディが連なる「Reeling」。小さな素材が積み重なるゴードンのミニマル・ミュージックのような「Gene Takes a Drink」。このアルバムは、すでに古くなってしまった音楽を再利用することで過去と未来の橋渡しを担っています。

デンマークのアルス・ノヴァ・コペンハーゲンは2003年以来、ポール・ヒリヤーの指揮のもと、世界で最も多彩なヴォーカル・アンサンブルとして不動の地位を築いています。彼らのcantaloupeレーベル初登場となるアルバム「First Drop」はライヒ、ライリーからゴードン、アンドリーセンまでシームレスなジャンルをカバー。曲のほとんどは世界初録音であり、ゴードンの「He Saw a Skull」はアルス・ノヴァ・コペンハーゲンのヴォーカリストたちのために特別に作曲された作品。ライヒの「クラッピング・ミュージック」での鮮やかなアンサンブルも聴きどころです。

「放送界のピューリッツァー賞」と呼ばれるピーポディ賞。これを2015年に受賞したのがナディア・シロタによるポッドキャスト「Meet The Composer」です。名前は知られていても、あまり耳にすることのない現代作曲家の作品に注釈をつけて、曲を探求する試み。ナディア自身が優れたヴァイオリニストであることもあり、ゲストの音楽家の個人的なバイオグラフィや信念、そして他に与える影響までを鋭くえぐり出したことが評価されました。何人もの作曲家が登場しましたが、このジョン・アダムズの回はとりわけ独創的。インタビューと解説は音楽への裏話でもあり、曲への興味をかきたてます。実際の演奏も楽しめる楽しい1枚です。

大作曲家の名前を引用しながらも「創り出す音は極めて斬新」なグループ“Bearthoven”は、マサチューセッツ現代音楽美術館で開催されるバング・オン・ア・カンが主宰する夏の音楽祭（現代音楽における新興作曲家のメッカとして知られる）に根付いたアンサンブルです。 このアルバムは、6人の若手作曲家の作品をフューチャー。ピアノ・ベースのパーカッショントリオは、ジャズの分野では一般的ですが、いわゆる「現代音楽」ではあまり使われることのないアンサンブルであり、ここでも独自のサウンドが追求されています。

フィラデルフィアの室内合唱団「クロッシング」が歌うジョン・ルーサー・アダムズの美しい作品。「風と空と鳥の声、眠りを誘発する魅惑的な静寂」とニューヨーク・タイムズ紙で絶賛されたこの曲は、8人の独唱者と4組の合唱が生み出す幻想的な空間を彩る音楽です。「私たちが１時間森に座っているとこれらの音を体験することができる」と語る指揮者ドナルド・ナリーは、この曲から華やかなハーモニーと圧倒的なクライマックスの瞬間を導き出しています。

このアルバムの中心をなす作曲家「ルオ・ラオ」は作曲家、プロデューサー、ディレクター、音楽学者として八面六臂の活躍をみせるドイツ人ロベルト・ツォリッチュの中国名。古典的な中国音楽をグローバルな言語に変換し、鮮やかな音楽に作り変えることで知られています。 このアルバムでは個性的な声を持つヴォーカリスト、ゴン・リンナをメインに、バング・オン・ア・カンのおなじみのメンバーたちが様々な音響をプラス。古典中国の詩人、クァン・ユアンの詩を用いた神秘的な物語を、未来的な響きで彩るユニークな1枚となっています。

ユタ州に広がるモアブ砂漠の荒涼たる風景に魅せられた音楽家ロバート・ブラック。彼はバング・オン・ア・カンで長年ベーシストを務め、常に新しい音楽の潮流に乗っていましたが、ここで彼が追求したのは、自然との融合であり、全く予期せぬ音との邂逅でした。自然の中に身を置くことで、景色に反応して自然に手が動き、ベースが歌い、音をコントロールする喜び。その音楽がどこからきているのかすらわからず、目を閉じて、自分を見失い、音楽に降伏する。3日間の格闘の末、生まれた音楽は完全に風景と溶け合っています。

バング・オン・ア・カンの作曲家シリーズ「Field Recordings」第2弾は、最初のアルバム（CA21108）よりも更に実験的要素が深まっています。ここでもの基本的なコンセプトは変わることなく、各作曲家たちが実際に拾い集めた音を素材として、新しい音を加えたり、加工したり、自身の音楽に作り変えたりとユニークな曲が並びます。曲によっては不協和音の炸裂や、電気音響の探求など、多彩なサウンドの探求には限界がありません。「現代音楽」という括りから飛び出した体験型の音楽をお楽しみください。

作曲家、歌手、バンドリンダー、など幅広く活躍しているアーティスト、テッド・ハーン。このアルバムでは、フィラデルフィアのヴォーカル・アンサンブル「クロッシング」とコラボし、独特な音による世界を作り上げています。アルバム・タイトル「Sound from the Bench」では、宗教的なメロディにエレクトリック・ギターとパーカッションが加わるという冒険的なサウンドが炸裂します。

LPレコードとしてリリースされている「Terminals」をソー・パーカッションズとニューヨーク・ユニヴァーシティ・パーカッション・アンサンブルがリメイクしたアルバム。LPと同じ5つの部分で構成されていますが、前作のようにハープなどは用いておらず、ひたすらパーカッションのみで曲が進行していきます。刺激的、かつ魅力的です。

2012年5月、ニューヨークのリンカーン・センターで結成25周年ライブを行なった「バング・オン・ア・カン」。デヴィッド・ラング、マイケル・ゴードン、ジュリー・ウルフによって結成されたニューヨークを拠点とするアバンギャルド・クラシック・グループです。彼らは様々なアーティストの曲を独自のスタイルでカバーしていることで知られていますが、このアルバムはその前年の悲劇「9.11」を目撃したジュリア・ウルフの「Big Beautiful Dark and Scary」で幕を開け、人生について思いを馳せているということです。

音楽の持つ不思議な力について思いを巡らせたアルバム。チェリスト、マヤ・ベイザーは独自のチューニングを施したチェロの生の音だけでなく、電気的な処理を行った音を多彩に使い、プラトンやピタゴラスの思想を基に、ミニマリズムやインド音楽のエキスを取リ入れた精神世界をも描き出そうと試みています。純正律の“アヴェ・マリア”をコンピューターを用いて逆行していく「タイム・ループ」にこのアルバムの真髄が置かれています。

このレーベルでおなじみ、「ソー・パーカッション」は常に大胆な実験と音作りで知られるアンサンブルです。彼らはマルチメディアでの露出を好み、演劇イヴェントやメディアで大活躍しています。ブルックリンでの8年間の活動の間に、200万人の聴衆を熱狂させたという彼らの音楽をぜひ体感してください。

アメリカの作曲家、クラリネット奏者、デレク・バーメルの作品集。彼は現代における多様な音楽言語を、洗練されたスタイルに昇華させつつ、ガーシュウィンやコープランドらの伝統も踏襲、実にユニークな音楽を創り上げる人です。 アルバムタイトルである「Canzonas Americanas ‐ アメリカのカンツォーナ集」は2010年に作曲された、アメリカ音楽のイディオムとラテンのリズムを駆使した作品で、グスターボ・ドゥダメルが指揮するロサンゼルス・フィルが初演し人気を博しました。他の曲でも、カラフルな音と刺激的なリズムを楽しめます。

カリフォルニアの有名な保養地「Sea Ranch ‐ シーランチ」は、海岸に沿って10マイル（約16Km）に渡って続く地帯です。1962年に開発プロジェクトが立ち上げられ、自然の美しさを保ちながら、人々が生活できる場を作り上げるために、建築家、造園家、他、写真家などがチームを組み、この周辺の開発に携わることとなります。最初は反対もあったようですが、少しずつその活動は根付き、現在では多くの人々がここで生活したり、休暇を楽しんだりしています。 2016年はシーランチが誕生して50年。これを記念して、ヴレバロフが「シーランチ」のための曲を作り、クロノス・クァルテットが演奏しています。ウレバロフは「シーランチのアイデアは地球規模でも可能かもしれません。私たちは音楽を通じて、そのアイデアの素晴らしさを賞賛し、傷ついた世界の手当てが必要なことを主張します」と語っています。映像カメラマン、アンドリュー・リンドンが撮影したシーランチの美しい情景を収録したDVDも同梱されています。

「ポスト・クラシカル」「ポスト・モダンクラシカル」･･･最近、耳にする機会の多いこのジャンルの音楽。主としてストリングを用い、時には電子音も交え、ミニマルの要素も取り入れたりと、つかみどころもなく、それでいて心魅かれる音楽です。 このアルバムのテーマは「恐怖、怯え」であり、おそらく多くの人にとって馴染みのあるはずの冒頭の曲から、ゾクゾクするような様相を呈しています。ヴァレーズが電子楽器のために書いた「ポエム・エレクトロニーク」も実は恐ろしい音楽です。

オーストラリアの作曲家ケイト・ムーアのチェロ作品集。演奏しているバスゲートとムーアは2009年に出会って以来、何度もコラボレーションを行っており、このアルバムでも「自然界の驚異と内なる声」を描いた6つの作品を生み出しています。切ないチェロの音色が美しい冒頭の「Whoever you are come forth 」、奇妙に歪められた音で奏される悲しみの音楽「ドロローザ」、チェロの短いモチーフの上で不思議な歌が奏される「壊れた十字架」など、鮮烈で衝撃的な響きに満たされています。

cantaloupeレーベルの創立者の一人、デイヴィッド・ラング（1957-）。このアルバムはロサンゼルス・マスター・コラールの演奏による2つの作品を収録したもので、アメリカで人気を誇るコルダー四重奏団との共演による「ナショナル・アンセム」と、2008年、ピューリッツァー賞を受賞した「マッチ売りの少女の受難曲」（全曲としては世界初演）の2曲で構成されています。 一見、別のテーマを扱っているように見える2つの作品ですが、ラング自身は「国家という大きな世界と、少女の小さな世界は、どちらもお互いを理解することについての共通点を持っていて、周囲の人の苦しみに気づくことが重要だと考える」と述べています。

アルバム・タイトルの「Thestonepeople」は、ジョン・ルーサー・アダムスの「Tukiliit」の副題である「風に住む石の人々」から取られた言葉です。「人間の根源は自然に繋がる」というルーサー・アダムズの概念が反映されたこの曲は、控えめな素材で組み立てられたピアノと声のための作品。冒頭こそ叩きつけるような大音量ですが、この叫びのような表現には、失われていくものへの悲哀が込められています。 ネイティヴ・アメリカンのある部族の生き残りの人々の歌をモティーフにしたブレスニックの「イシの歌」はその言葉の意味すらも不明ですが、やはり何かを強く訴えかけてきます。他の曲も全て、現代アメリカを代表する作曲家たちが描いた美しいエレジーのようなもの。静かに聴きたい1枚です。

アメリカのオルタナティヴ・ロック・バンド「ウィルコ」のメンバー、グレン・コッチェ（1970-）のオリジナル作品「ドラムキット・カルテット」。2014年、8年ぶりにリリースされたコッチェのアルバム「Adventureland」（CA21098）は、クロノス・カルテットとエイト・ブラックバードが共演したことでも話題になりました。 今回のコッチェはまるでライヒやアダムスのようなミニマル色と、独創的なサウンドをふんだんに用い、「ポスト・クラシカル」風な静寂と騒音の世界を行き来します。ソー・パーカッションは即興的な音と、電子音を組み合わせ、見事な音のタペストリーを織り上げています。

あの「悪魔の辞典」で知られるアンブローズ・ビアスの短編小説をもとに、劇作家マック・ウェルマンが詩を書き、デイヴィット・ラング（1957-）が曲をつけた音楽劇「The difficulty of crossing a field＝野を横切ることの難しさ」。緊迫の音楽とテンションの高いセリフが交錯するこの不可思議な物語は2002年3月に上映され好評を得ました。この録音は、新たなミュージシャンたちを得たことで、初演時とは違ったものが生み出されています。

作曲家ポール・D・ミラー＝DJスプーキー。ジャンルを越えたアーティストであり、作家でもある彼は、現代の音楽シーンにも多大なる影響を与えるとともに、数多くのミュージシャンたちとコラボを行い、常に刺激的な作品を生み出しています。 あのクロノス・クァルテットとコラボしたこのアルバムで扱っているのは「映画の父」D.W.グリフィスの生んだ名作『國民の創生』＝The Birth of a Nation（1915年）。あからさまな人種差別の描写で一度は上演禁止になりかけるも、結果的には大ヒットとなったという問題作で、この無声映画に新たな曲をつけるという試みももちろん大ヒットを記録しました。何とも刺激的な再創造をお楽しみください。

2015年度のピューリッツァー賞を受賞した「無煙炭のフィールド」は、ペンシルベニア州の炭鉱労働者たちに捧げるオラトリオです。作曲者のウルフ（1958-）は、労働者とその家族たちに詳細なインタビューを行い、彼らの生活や権利を尊重するために活動しようと試みました。あまりにも虐げられた労働者たちを救うためには政治までをも動かさなくてはいけないと悟った彼女は、まずこの事実を音楽にすることを思い立ちます。同じ言葉を何度も繰り返す合唱が齎す、瞑想的な雰囲気を突然切り裂くかのようなエレキギターの音。これは衝撃的であり、聴き手の意識を深部に向けさせるに充分な説得力を有しています。

グラミー賞を受賞した作曲家ジョン・ルーサー・アダムズ（1953-）。彼の「Become Ocean」での神秘的で雄大な音楽は各方面で高い評価を受けましたが、今作の「Ilimaq」ではノイズも含めた音を駆使し、更なる精神世界の深部を探ることに執心しています。次々と変化していくパーカッションの響きの波、これをマッピングしていくことで出来上がっていく48分の作品は、少しずつ聴き手の精神を侵食し、別世界へといざないます。

現代のユニークな作曲家、マイケル・ゴードン（1956-）の2曲の大規模なオーケストラ作品です。ロサンジェルス・フィルハーモニックの委嘱作である「ダイストピア」は“調和と不調和の間の灰色の領域を探索する”がテーマの熱狂的で混沌とした音楽。この都市の未来を音で描くというスゴイ（騒々しい）作品です。 「ベートーヴェン：交響曲第7番の再構築」は、常にベートーヴェンからインスピレーションを得るというゴードンが、9曲ある交響曲の中でも最も暴力的なリズムを持つ「第7番」を再構築したもの。いつまで経っても始まらない第1楽章（らしきもの）が始まると、この現実世界がどんどん奇妙な音に侵食されていきます。確かにベートーヴェンの残滓はあるのですが…。初演時、聴衆は呆れかえったという問題作です。